L'artista contemporaneo svizzero Frantiček Klossner lavora attraverso le discipline della videoarte, della scultura, dell'installazione, del disegno e della poesia visiva. Nelle sue opere combina i mezzi espressivi delle arti visive con quelli delle arti dello spettacolo. Tutta la sua opera artistica è permeata da domande esistenziali. In esso, il corpo umano agisce come rappresentante dei processi di individuazione mentale e delle interdipendenze sociali. Tra i suoi gruppi di opere più noti ci sono i "Melting Selves". Gli autoritratti congelati nel ghiaccio raccontano in modo poetico e struggente il senso della sua arte: le metamorfosi della vita, l'io in transizione, le interazioni tra forze esterne e interne. La veemenza del suo linguaggio visivo invita il pubblico a interrogare le immagini interiori e a esaminare il proprio pensiero. Con le sue opere diversificate, che spesso sembrano set-up scientifici sperimentali che esplorano le delicate membrane tra corpo e spazio, tra vedere e pensare, Frantiček Klossner è uno dei rappresentanti più importanti e produttivi della scena della media art svizzera.

Dal 1990, le sue opere sono state rappresentate a livello internazionale in esposizioni e nell'ambito di festival di media art. Tra le mostre personali a lui dedicate si ricordano la Kunsthaus Grenchen, Svizzera (2001), il Centro d'Arte Contemporanea CACT, Bellinzona, Svizzera (2002), il Museo de Arte Moderno de Buenos Aires MAMBA, Argentina (2004), la Galeria de Arte Universal, Santiago de Cuba (2005), il Centro de Expresiones Contemporáneas, Rosario, Argentina (2007), il Kunstmuseum Solothurn, Svizzera (2008), la Kunsthaus Interlaken, Svizzera (2013), la Kunsthalle Wil presso St. Gallen (2013). Svizzera (2014) e il Kunstverein Ruhr, Essen, NRW, Germania (2015).

Frantiček Klossner ha completato la sua formazione artistica presso la Scuola d'Arte e Media Design F+F di Zurigo (1985-1989), dove hanno insegnato artisti come Hansjörg Mattmüller, Valie Export, Morgan O'Hara, Hermann Bohmert, Norbert Klassen, Vollrad Kutscher, Peter Weibel e il filosofo culturale Gerhard J. Lischka. In questo periodo, le regolari conferenze di filosofi attuali come Paul Virilio, Jean Baudrillard, Vilém Flusser e Niklas Luhmann al Museo d'Arte di Berna, sotto la direzione di Jean-Christophe de Tavel, lo hanno segnato.

Dopo gli studi, vince una borsa di studio d'arte della città di Berna, che gli permette di trasferirsi in uno studio nell'East Village di New York. Lì si è concentrato su videoarte, performance e installazioni. Queste nuove opere hanno attirato molta attenzione nelle sue prime importanti mostre in Svizzera e in Germania. Nel 1992 le sue opere sono state premiate con la borsa di studio Louise Aeschlimann e Margareta Corti della Società d'Arte di Berna. Tre anni dopo è stato invitato a studiare come artista presso il rinomato Istituto Svizzero di Roma. Dopo un soggiorno di studio di due anni all'Istituto Svizzero (1996-1998), si stabilisce nella città di Roma, dove rimane fino al 2000. Tornato in Svizzera, ha diretto il progetto espositivo "Identité mobile" per l'esposizione nazionale svizzera Expo.02 e ha partecipato all'esposizione nazionale della Stiria a Graz con un'analisi pubblica dei propri geni "Remastered Remix Identity".

Parallelamente alla sua carriera artistica indipendente, l'artista si è impegnato precocemente anche come curatore e iniziatore per la promozione della media art e della performance art in Svizzera. Nel 1987 ha fondato il gruppo performativo STOPPT insieme a Norbert Klassen e Janet Haufler. Insieme al gruppo coordina il "Performance Art Network" internazionale nella ex Lydia Megert Gallery dal 1989 al 1990. Nel 1992 ha fondato il festival di videoarte "Peep Art" a Berna, che ha diretto fino al 1996. Nel 1995 cura la mostra "Always Online" alla Stadtgalerie di Berna e, insieme a Gerhard J. Lischka e Boa Baumann, fonda il "Performance Video Computer Clip Club" per promuovere la media arte. Dal 2006 al 2009 cura il "Valiart Kulturraum für Medienkunst" e avvia un programma pluriennale di performance art presso la Haus der Universität Bern. Frantiček Klossner è attivo in diverse associazioni d'arte contemporanea e in due fondazioni culturali svizzere.

La sua attività di insegnamento nelle scuole d'arte svizzere è iniziata nel 1993 con un primo incarico di insegnamento per la videoarte presso la F+F Kunstschule di Zurigo. Ha insegnato fino al 2000 e, insieme a Thomas Gränicher, ha fondato il corso di New Media. Dopo aver lavorato per Expo.02, ha assunto ulteriori incarichi di insegnamento presso la Kunsthochschule Nordwestschweiz FHNW (Dipartimento di Media Art di Aarau) e presso l'École cantonale d'art du valais ECAV. Dal 2006 insegna all'Istituto per l'arte transdisciplinare dell'Università di Berna HKB.

Nel 2017 l'artista ha lanciato un nuovo progetto educativo per le scuole professionali nel campo dell'infermieristica: «Arte e medicina / Cultura e Cura» è stato premiato come progetto particolarmente innovativo ed esemplare e realizzato con grande risonanza pubblica in numerose università svizzere di scienze applicate. L'artista vede il progetto come una "scultura sociale" (come arte che cambia la società nel senso di Joseph Beuys) per attirare l'attenzione sulle cause politiche ed economiche della "crisi delle professioni infermieristiche". Nel 2021, il Musée de la main UNIL-CHUV di Losanna ha dedicato una grande mostra speciale al progetto: «ART SOIN - Carte blanche à celles et ceux qui prennent soin de nous».

Musei e collezioni pubbliche

Le opere di Frantiček Klossner sono rappresentate in numerose collezioni d'arte pubblica: Museo nazionale svizzero, Kunsthaus Zürich, Collezione Reinking Amburgo, Fondazione Moses Mendelssohn Berlino, Collezione d'arte federale della Confederazione svizzera, Collezione Carola e Günther Ketterer-Ertle, Dipartimento delle stampe della Biblioteca nazionale svizzera, Museo d'arte di Berna, Istituto Svizzero di Roma, Mobiliar Art Collection, Neuer Berliner Kunstverein, Ursula Blickle Videoarchiv, Österreichische Galerie Belvedere Wien, Centro per l'arte e i media ZKM Karlsruhe, Musée d'art et d'histoire Fribourg MAHF, Collection Banque Bonhôte Neuchâtel, Collezione Tomarkin Berlin, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires MAMBA Argentina, Museo d'arte della città di Soletta, Collezione d'arte del Cantone di Berna, Museo d'arte della città di Zofingen, Kunsthaus Pasquart Biel

Premi e riconoscimenti

2018 Premio onorario dell'Associazione Network

2017 Vincitore del concorso "Kultur-Digital", Cantone di Berna
2009 Art Position Award, Premio del pubblico, Cantone di Vaud

2009 Media Art Award, Banca Valiant
2007 Stipendio del Fondo culturale, Ufficio federale della cultura
1999 Nomina per il Premio Böttcherstrasse, Brema

1997 Borsa di studio della Fondazione culturale UBS
1997 Premio di video arte, Turingia e Renania-Palatinato
1996 Membro dell'Istituto Svizzero di Roma
1992 Premio d'arte della Fondazione Aeschlimann-Corti
1991 New York Studio Grant, Borsa della Città di Berna

Frantiček Klossner chiama la sua serie di opere con ritratti e corpi congelati "Infinite Performance". Il concetto performativo non è concepito solo per la durata di una mostra, ma ha già attraversato oltre 30 anni, dai suoi primi "congelamenti" (1990) a oggi, ogni volta in un nuovo contesto in numerose variazioni installative o mediatiche. Ogni nuovo allestimento è un processo temporaneo. Involontariamente, si pensa alla transitorietà e alle vite che passano. Ma l'attrazione dell'opera e il suo altrettanto forte carisma sono in grado nella loro totalità di stimolare pensieri, sentimenti e ricordi il cui insieme è già specifico dell'arte. Non si tratta quindi solo di un autoritratto fatto di ghiaccio che si scioglie lentamente, ma soprattutto di una "immagine umana del presente" che cambia impercettibilmente ma visibilmente, fino a dissolversi completamente. Il "diventare sempre meno" della scultura di ghiaccio fa parte della concezione che Franticek Klossner ha del suo lavoro e del suo concetto tanto quanto la ripetizione rituale e il ricorrente "congelamento di se stessi". Il suo lavoro è in un costante stato di flusso tra transitorietà e riapparizione. Nel farlo, l'artista si avvale di ambientazioni simboliche ambigue e della riattivazione consapevole di nozioni millenarie sul tempo. Si tratta di un'immagine scultorea dell'uomo che porta il tempo dentro di sé, per così dire, e che incarna diversi concetti di tempo. In questo modo, egli pone anche la questione esistenziale del "tempo interno" e del "tempo esterno" dell'uomo. (Dr. Peter Friese, Kunstverein Ruhr, Essen, 2015)

Nella pallida luce di una lampadina, l'artista conserva una moltitudine di autoritratti congelati. La bizzarra collezione sembra un esperimento clinico. Le teste lucide dell'artista sono allineate frontalmente su scaffali metallici. Ogni testa viene modellata in modo diverso dal processo di congelamento: Irti, strappati, spaccati o perfettamente somiglianti, riflettono l'intera gamma di deformazioni e mutamenti di forma. Di fronte a questi "sé congelati", pensiamo involontariamente al bestseller di Richard David Precht "Chi sono io - e se sì, quanti?". La fisicità vulnerabile degli "io" memorizzati diventa un simbolo delle condizioni umane. Nel freddo della cella frigorifera, i processi della nostra percezione si intensificano: ad ogni respiro, il freddo ci penetra! Respiriamo il lavoro ... e quando espiriamo, il riscaldamento dell'aria che respiriamo lascia sulle nostre teste ghiacciate una brina in costante aumento. Come una sottile pelliccia, il respiro del pubblico ricopre l'opera dell'artista. (Mechthild Zawadinsky, Kunsthalle Osnabrück, 2011)

Inge Herold, in: "Il busto nell'arte europea da Auguste Rodin a oggi", Städtische Museen Heilbronn, 2005

Come Dieter Roth, Franticek Klossner sottopone il suo autoritratto a deformazione e dissoluzione, ma anche l'aspetto del ciclo del divenire e del trapassare gioca un ruolo importante nel suo lavoro. Inoltre, il suo materiale ha una qualità completamente diversa da quella di Roth. Gli autoritratti di Klossner, intitolati "Melting Selves", che crea dal 1990, sono calchi di acqua ghiacciata che utilizza in vari modi in installazioni, performance e sequenze video. L'acqua non è solo la materia vitale per eccellenza, ma è anche un elemento estremamente mutevole che si presenta in tre stati: liquido, solido (neve e ghiaccio) e gassoso (foschia, nebbia, vapore). I processi di congelamento e fusione sono, come la cottura nelle opere di Quinn, processi deformanti che sviluppano un forte slancio proprio, sul quale l'artista non ha alcun controllo. Alla deformazione e alla dissoluzione attraverso la fusione - da intendersi come metafora del tempo e della caducità nelle sue opere precedenti - si contrappone l'idea di rinascita e rinnovamento di Klossner in un'opera video sviluppata appositamente per la mostra "The Upper Half". Sei busti dell'artista decadono e riemergono in un processo ritmico accompagnato da una sequenza minimalista di suoni basati sui battiti del suo cuore. I busti si sciolgono - con le gocce che metaforicamente salgono al cielo come bolle di pensiero - e si riformano da gocce che salgono dal basso: un'inversione del processo reale. Klossner combina l'idea di un ciclo eterno della vita con il tema dell'esplorazione di sé e della questione dell'identità: "Non esiste un individuo, noi siamo identità liquide. Ogni arresto è inutile: il tempo è un cambiamento di forma".

Le opere di Frantiček Klossner sono dedicate a questioni esistenziali e si concentrano sui processi di individuazione mentale e sulle interdipendenze sociali. La videoinstallazione "ex vivo - in vitro" lo dimostra in modo particolarmente suggestivo: la scena ricorda una collezione di preparati anatomici umidi in un museo di storia della medicina. Immersi in liquidi in grandi bottiglie di vetro, isolati, conservati e separati gli uni dagli altri, scopriamo corpi umani nudi e teste parlanti. I corpi si contorcono nella ristrettezza del loro isolamento. Le teste ruotano intorno al proprio asse come dei globi. I volti che scorrono diventano mappe del mondo delle vite già vissute. Questa situazione evidenzia gli effetti dell'isolamento sociale e dell'esclusione sulla psiche di una persona. Ma all'interno delle lampadine germoglia la resilienza umana. Con parole enigmatiche, i "chiusi" parlano a se stessi e a noi. Parlano di amore e desiderio, di vicinanza e distanza, di speranza e fiducia. Con le loro voci ipnotiche e le parole ripetitive che si sovrappongono e si contraddicono, catturano il pubblico. In questo modo, gli individui isolati trasmettono un'immagine estremamente potente e attuale della società odierna e dell'idea di cosa possa significare essere umani.

Il mio cranio trova il suo volto, Fluoroscopia, Video in tempo reale in fluoroscopia a raggi X, Pittura del viso con mezzo di contrasto medico, Frantiček Klossner, 1999, imaging a raggi X in collaborazione con l'Istituto di Radiologia dell'Università di Berna

Lo scheletro di un teschio umano, che si muove vivacemente e ci guarda dalle sue orbite ossee, ha un effetto spaventoso e irritante. Un teschio corporeo, vivo? L'autoritratto non convenzionale con illuminazione a raggi X è incastonato nella forma classica di un medaglione e rimanda quindi alle caratteristiche pittoriche dei gioielli da lutto del dopoguerra. Ma la performance video di Frantiček Klossner è un memento mori pieno di autoironia e di palpabile piacere nella sperimentazione artistica con i mezzi di imaging medico. Le associazioni oppressive sono chiaramente contrastate dalla malizia e dall'umorismo nero. La morte sembra volerci dire che la vita dopo la morte sarà altrettanto sensuale e bizzarra della nostra contraddittoria esistenza in quel tempo che chiamiamo presente. (Léonard Cuénoud, 2000)

Caroline Schuster Cordone, vicedirettrice del Museo d'arte e di storia di Friburgo MAHF

La trasformazione e la frammentazione del corpo sono al centro del lavoro di Frantiček Klossner. Dal 1989 realizza "pelli" di gomma a grandezza naturale. Si tratta di stampi realistici del suo stesso corpo, che utilizza per congelare i suoi ritratti di ghiaccio "Melting Selves". La produzione di queste opere è il risultato di un lavoro lento e meticoloso che assomiglia a un rituale: l'artista applica il materiale in strati sottili, strato dopo strato, lasciandolo asciugare tra due applicazioni. Sono necessarie numerose passate per ottenere lo spessore necessario a imitare la pelle reale. Il risultato, nel corso degli anni, è una serie di pelli escisse, come crisalidi di vite precedenti, o reliquie del passato. Il naturale invecchiamento di queste opere (dovuto allo scurimento e all'essiccazione del materiale), così come le tracce delle fasi di lavorazione (graffi, tagli, ferite), conferiscono a ciascuna di esse un aspetto unico.

Questi frammenti, che l'artista plasma e conserva dal proprio corpo, possono essere letti come stazioni rituali di un processo di individuazione umana e artistica. Gli "scorticamenti" di Klossner sono anche parte del dialogo dell'artista con la tradizione antica e biblica e con la storia culturale. Si pensi al mito di Marsia, il satiro musicista scorticato da Apollo, o a Bartolomeo, l'apostolo scorticato la cui pelle divenne il suo attributo. Un ultimo collegamento ispiratore è la presentazione di opere raggruppate in una mostra. L'appendimento di varie pelli da parte di Klossner assume l'aspetto di visioni fantasmagoriche. Le pellicce sembrano levitare, con le palpebre chiuse, dirette verso un mondo immaginario. Viene inevitabilmente in mente la famosa incisione di Francisco de Goya, Il sonno della ragione produce mostri, dalla serie Los Caprichos. In esso, il pittore addormentato dà vita a creature volanti e minacciose della notte. Secondo Goya, "l'immaginazione senza ragione produce mostri impossibili: unita ad essa, è la madre delle arti e l'origine delle meraviglie". Il legame con Klossner è duplice: formalmente, nella visione di un misterioso e inquietante volo di fantasia che l'artista ha creato, ma anche nel rapporto tra ragione e immaginazione. La pratica di Frantiček Klossner combina un pensiero filosofico illuminato con una libertà artistica al culmine dell'immaginazione per esprimere sia l'emergere del sé, sia la sua metamorfosi e la sua cancellazione

Il fatto di liberarsi della propria pelle permette infine all'artista di incarnare lo scorrere del tempo, di visualizzare le tappe della sua personale evoluzione come uomo e come creatore, di materializzare le sue metamorfosi e il suo percorso di vita come un serpente che si libera ripetutamente della propria pelle per rinascere a se stesso.

Michaela Nolte, sulla serie di opere "Kunst macht Politik", 2007: nel suo archivio interattivo di performance "Kunst macht Politik" (dal 2003), Frantiček Klossner tesse un ciclo di dialogo di reti diverse con registrazioni video di circa 500 operatori culturali fino ad oggi. Non si tratta di una collezione convenzionale, ma di una rete rizomatica, con l'artista come benefattore della comunità per le interferenze umane, artistiche e mediatiche. Operatori culturali, mediatori culturali e politici culturali sono animati da Frantiček Klossner ad azioni spontanee, performance o improvvisazioni intime, dalle quali - nel senso di "Il fiore è sempre già nella mandorla" di Gaston Bachelard - emergono miniature poetiche e surreali. La performance Paradise di Sandra Gianfreda e Bernhard Mendes Bürgi al Lemon Tree of Knowledge del Kunstmuseum di Basilea, ad esempio, o il collettivo di artisti che Klossner attira davanti alla sua macchina fotografica con la semplice istruzione del tavolo di condivisione del pavone: "Salite sulle pareti!". L'artista come animatore fa pensare all'impossibile e lo mette in pratica. L'artista come archivista crea documenti non convenzionali basati sul desiderio di arte, tra cui numerosi momenti ormai storici come la performance di Martha e Maurice E. Müller con pala e piccone nella fossa di scavo del nascente Zentrum Paul Klee o la performance "Abbey Road" con Balthasar Burkhard, Claude Kuhn, Gerhard Johann Lischka e Alexander Tschäppät su un passaggio pedonale nel quartiere delle ambasciate bernesi. "Fondamentale per le diverse manifestazioni dell'arte performativa [...] è l'esecuzione fisica di un'azione", si legge in un lettore di performance. A parte il fatto che questo suona come forza maggiore, Frantiček Klossner confuta tale definizione con le sue opere intermedie, in cui video, performance, fotografia o installazione puntano sempre al di là del singolo medium. Non è l'esecuzione fisica, ma piuttosto il piacere fisico e l'interazione dei performer e degli spettatori ad apparire come un momento centrale nel lavoro dell'artista; l'umorismo come un altro. L'umorismo come catarsi. Nell'ambito delle arti visive, Klossner agisce in modo sfacciato, astuto e innovativo. Esamina il corpo come scultura, come opera d'arte che si dissolve e si genera di nuovo, e incorpora naturalmente la danza, il linguaggio, il disegno e la scrittura nella trasgressione dei confini come attitudine performativa di base. Sembra quindi coerente che l'esecuzione fisica sia completamente sospesa in quella che Klossner definisce "la performance più estrema". Tim Steiner, un artista amico di Frantiček Klossner, che porta sulla schiena un'opera di Wim Delvoye come portatore di immagine vivente, ha dovuto farsi aprire il famoso tatuaggio per un intervento medico. Frantiček Klossner ha accompagnato l'amico durante l'anestesia in sala operatoria e ha documentato l'operazione insieme al fotografo Simon Schmid. "La perdita di coscienza mi ha profondamente impressionato e mi ha portato a chiedermi se la coscienza sia necessaria per la performance. Il corpo di Tim Steiner che galleggiava nell'anestesia era incredibilmente presente e nella sua assoluta passività costituiva un affascinante contrappunto al desiderio attivo dell'arte". La performance dell'amico anestetizzato diventa un'esperienza immersiva dell'arte, dell'essere arte, completamente intrisa di autentica autoevidenza, dove le immagini non si erodono ma continuano a funzionare e a ispirare l'apparentemente impossibile. L'artista diventa un sussurratore d'arte. Al limite tra l'esplicito e l'implicito, l'arte di Klossner sprigiona energia e ha un potenziale di contagio.

La serie fotografica "His- & Herstory" di Franticek Klossner è nata da una serie di performance realizzate tra il 1994 e il 1999. Con il titolo, l'artista fa riferimento alla percezione femminile e maschile della storia culturale. La nostra storia culturale e di mentalità è una storia di uomini (la SUA storia)? E se sì, di quali uomini? Dov'è la storia culturale delle donne (HER-story)? Per affrontare queste domande in modo personale, l'artista entra in relazione fisica con oggetti culturali che ritiene particolarmente rappresentativi della storia della mentalità europea. Trova tali testimonianze simboliche a Berna, ad esempio, nelle sculture greche e romane della Collezione di Antichità Classiche o nelle piazze pubbliche e nei luoghi di crociera segreti della città di Roma, dove è stato in residenza per due anni presso l'Istituto Svizzero. Le fotografie lo mostrano nudo in una conversazione a due voci con busti e sculture selezionati che ha incontrato, ad esempio, durante le sue scorribande notturne per Roma. Insieme all'amico fotografo Gian Paolo Minelli, il giorno dopo visita i "conoscenti notturni" e ne fa immortalare l'"approccio fisico". Egli afferma in modo acuto ed esagerato: "La storia culturale è una relazione puramente fisica". Contemporaneamente a questa serie fotografica, durata diversi anni, ha creato anche le sue acclamate installazioni video con "busti parlanti". Utilizzando un processo di mappatura, ha proiettato registrazioni video sui busti di Hermes di Olimpia e Apollo del Belvedere. In questo modo, ha dato alle divinità greche una voce concisa del presente. In un sondaggio di strada, aveva chiesto ai passanti il loro "primo incontro con l'arte contemporanea". Da queste storie è nato un discorso estremamente poetico sull'arte contemporanea tra Ermete di Olimpia e Apollo di Belvedere. Su un altro piano, tuttavia, queste installazioni video erano anche un'astuta risposta del pioniere del video alle polemiche dell'epoca, che svalutavano l'arte mediatica rispetto alla pittura e alla scultura con la motivazione che nei nastri video non c'era l'originale, ma solo la copia. Franticek Klossner si oppone a questo atteggiamento conservatore in modo fisico e lussurioso e dimostra con le sue azioni che anche le nobili sculture della Collezione di Antichità Classiche sono solo copie in gesso e che, in definitiva, solo il proprio corpo nudo è un originale. Così, da un lato, il performance e media artist si ribella al concetto convenzionale di arte degli anni Ottanta e Novanta, dall'altro, provoca la percezione borghese dell'arte includendo con noncuranza le famose opere dell'antichità greca (come l'Apollo del Belvedere, il lanciatore di dischi di Myron o il Fauno Barberiano) come partner della performance e giocando con oggetti di scena come una bambola di gomma gonfiabile o il calco in gesso del seno destro di Pipilotti Rist. In modo evidente, l'artista segnala la sua vicinanza alle questioni di genere, al movimento femminile e gay e alla diversità culturale. In modo combattivo, ma anche un po' timido, vuole sedurre il suo pubblico d'arte a mettere in discussione il proprio pensiero sulle norme di genere e sull'identità di genere. I suoi spunti di riflessione non sono insistenti o provocatori, ma astuti e seducenti. Lasciano al pubblico il tempo necessario per interrogare le immagini interiori. Proprio per questo la sua serie di opere fotografiche è di particolare interesse per la mostra curata da Kathleen Bühler su "Questioning Masculinity" al Kunstmuseum Bern. La diversità culturale, il cambiamento sociale e l'esame di vecchie e nuove idee di mascolinità sono inestricabilmente legati al lavoro di Franticek. Non sorprende quindi che nel Museo delle Antichità egli si spogli e si opponga, in modo scherzoso e con molta autoironia, al concetto di "kalokagathia", l'ideale greco di eccellenza fisica e mentale: "kalòs kaì agathós".

Frantiček Klossner disegna a matita o a penna opere selezionate della storia dell'arte sulla pancia dei suoi amici. Il corpo diventa portatore dell'immagine, mediatore tra la storia dell'arte recente e l'arte contemporanea. L'ombelico funziona nei disegni come punto di partenza e come protagonista ridente: con la bocca aperta e sorpresa nell'"Angelus Novus" di Paul Klee, come pene nell'"Uomo in piedi" di Pablo Picasso o nascosto dietro una folta peluria nella "Colazione in pelliccia" di Meret Oppenheim. Disegnate direttamente sulla pelle, le opere solleticano non solo chi le indossa ma anche la nostra mente: sorridendo, scopriamo la storia dell'arte da una nuova prospettiva. Con astuzia, Frantiček decodifica l'essenza delle opere selezionate e crea così un'immagine molto naturale per l'appropriazione personale della storia culturale: l'arte viene interiorizzata in modo giocoso e con grande piacere.