L'artiste contemporain suisse Frantiček Klossner est actif dans les domaines de l'art vidéo, de la sculpture, de l'installation, du dessin et de la poésie visuelle. Dans ses œuvres, il associe les moyens d'expression des beaux-arts à ceux des arts de la scène. L'ensemble de son travail artistique est imprégné de questions existentielles. Le corps humain y agit comme représentant des processus d'individuation mentale et d'interdépendance sociale. Les "Melting Selves" font partie de ses groupes d'œuvres les plus connus. Ces autoportraits gelés dans la glace racontent de manière aussi poétique que percutante ce dont il s'agit dans son art : les métamorphoses de la vie, le moi en transition, les interactions entre les forces extérieures et intérieures. La véhémence de son langage visuel invite le public à remettre en question ses images intérieures et à examiner sa propre pensée. Avec ses travaux variés, qui ressemblent souvent à des dispositifs scientifiques expérimentaux destinés à explorer les délicates membranes entre le corps et l'espace, la vision et la pensée, Frantiček Klossner est l'un des représentants les plus importants et les plus productifs de la scène suisse de l'art médiatique.

Depuis 1990, ses œuvres sont représentées au niveau international dans des expositions et dans le cadre de festivals d'art médiatique. Des expositions individuelles lui ont été consacrées, entre autres, par le Kunsthaus Grenchen, Suisse (2001), le Centro d'Arte Contemporanea CACT, Bellinzona, Suisse (2002), le Museo de Arte Moderno de Buenos Aires MAMBA, Argentine (2004), la Galeria de Arte Universal, Santiago de Cuba (2005), le Centro de Expresiones Contemporáneas, Rosario, Argentine (2007), le Kunstmuseum Solothurn, Suisse (2008), le Kunsthaus Interlaken, Suisse (2013), la Kunsthalle Wil près de St. Gallen, Suisse (2014) ainsi que le Kunstverein Ruhr à Essen, NRW, Allemagne (2015).

Frantiček Klossner a suivi sa formation artistique à l'école d'art et de design médiatique F+F de Zurich (1985-1989) où des artistes comme Hansjörg Mattmüller, Valie Export, Morgan O'Hara, Hermann Bohmert, Norbert Klassen, Vollrad Kutscher, Peter Weibel et le philosophe culturel Gerhard J. Lischka ont enseigné. Durant cette période, il a été marqué par les conférences régulièrement données au Musée des beaux-arts de Berne par des philosophes actuels tels que Paul Virilio, Jean Baudrillard, Vilém Flusser et Niklas Luhmann, sous la direction de Jean-Christophe de Tavel.

Après ses études, il a obtenu une bourse artistique de la ville de Berne qui lui a permis de s'installer dans un atelier de l'East Village à New York City. Il s'y est concentré sur l'art vidéo, la performance et les installations. Ces nouvelles œuvres ont été très remarquées lors des premières expositions importantes pour lui en Suisse et en Allemagne. En 1992, son travail a été récompensé par la bourse Louise Aeschlimann et Margareta Corti de la Société artistique bernoise. Trois ans plus tard, il est invité à participer au programme de résidence à l'Institut suisse de Rome. Après un séjour de deux ans en atelier à l'Istituto Svizzero (1996-1998), il s'est installé dans la ville de Rome, où il est resté actif jusqu'en 2000. De retour en Suisse, il a dirigé le projet d'exposition "Identité mobile" pour l'exposition nationale suisse Expo.02 et a participé à l'exposition nationale de la Styrie à Graz avec une analyse publique de ses propres gènes "Remastered Remix Identity".

Parallèlement à sa carrière d'artiste indépendant, l'artiste s'est également engagé très tôt en tant que curateur et initiateur pour la promotion de l'art médiatique et de l'art de la performance en Suisse. En 1987, il fonde avec Norbert Klassen et Janet Haufler le groupe de performance STOPPT. Avec ce groupe, il coordonne de 1989 à 1990 le "Performance Art Netzwerk" international dans l'ancienne galerie Lydia Megert. En 1992, il fonde le festival d'art vidéo "Peep Art" à Berne, qu'il dirige jusqu'en 1996. En 1995, il est commissaire de l'exposition "Always Online" à la Stadtgalerie de Berne et fonde avec Gerhard J. Lischka et Boa Baumann le "Performance Video Computer Clip Club" pour promouvoir l'art médiatique. De 2006 à 2009, il est le curateur de "Valiart Kulturraum für Medienkunst" et lance un programme pluriannuel d'art de la performance à la Maison de l'Université de Berne. Frantiček Klossner s'engage dans plusieurs associations de promotion de l'art contemporain et est membre du conseil de deux fondations culturelles suisses.

Son activité d'enseignant dans les hautes écoles d'art suisses a commencé en 1993 avec un premier mandat d'enseignement de l'art vidéo à l'école d'art F+F de Zurich. Il y a enseigné jusqu'en 2000 et a mis en place, avec Thomas Gränicher, la filière d'enseignement des nouveaux médias. Après avoir travaillé pour Expo.02, il a assumé d'autres missions d'enseignement à la Kunsthochschule Nordwestschweiz FHNW (département d'art médiatique à Aarau) et à l'École cantonale d'art du valais ECAV. Depuis 2006, il enseigne à la Haute école des arts de Berne (HEAB).

En 2017, il a développé une offre de formation inédite pour les écoles professionnelles dans le domaine des soins : "Art et médecine / culture et soins" a été récompensé en tant que projet de formation particulièrement innovant et exemplaire et a été mis en œuvre avec un grand écho public dans de nombreuses hautes écoles spécialisées suisses. L'artiste conçoit le projet comme une "sculpture sociale" (un art qui change la société / dans l'esprit de Joseph Beuys) afin d'attirer l'attention sur les causes politiques et économiques de la "crise du système des soins dans les pays européens". En 2021, le Musée de la main UNIL-CHUV à Lausanne a consacré une grande exposition spéciale au projet : "ART SOIN - Carte blanche à celles et ceux qui prennent soin de nous".

Collections d'art publiques et musées

Les œuvres de Frantiček Klossner sont représentées dans de nombreuses collections d'art public : Musée national suisse, Musée d'art et d'histoire Fribourg MAHF, Kunsthaus Zürich, Collection Reinking Hambourg, Fondation Moses Mendelssohn Berlin, Collection fédérale d'art de la Confédération suisse, Collection Carola et Günther Ketterer-Ertle, Cabinet des estampes de la Bibliothèque nationale suisse, Musée des beaux-arts de Berne, Neuer Berliner Kunstverein, Ursula Blickle Videoarchiv, Österreichische Galerie Belvedere Wien, Zentrum für Kunst und Medien ZKM Karlsruhe, Sammlung Tomarkin Berlin, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires MAMBA Argentina, Musée des beaux-arts de Soleure, Collection d'art du canton de Berne, Collection d'art de la ville de Zofingue, Kunsthaus Centre d'art Pasquart Biel/Bienne, Collection Banque Bonhôte Neuchâtel, Collection d'art de la Mobilière, Institut suisse de Rome

Récompenses et distinctions

2018 Prix d'honneur pour les arts de l'Association Network
2017 Lauréat du concours "Kultur.Digital", Canton de Berne

2009 Art Position Award, Prix du public, Canton de Vaud
2009 Prix pour les arts médiatiques de la Banque Valiant

2007 Bourse du Fonds culturel, Office fédéral de la culture

1999 Nomination pour le prix Böttcherstrasse, Brême

1997 Bourse de la Fondation UBS pour la culture

1997 Prix de l'art vidéo, Thuringe et de Rhénanie-Palatinat

1996 Membre de l'Institut suisse de Rome

1992 Prix de l'art de la Fondation Aeschlimann-Corti

1991 New York Studio Grant, Bourse de la ville de Berne

«Melting Selves», Franticek Klossner, sculptures performatives, série d'œuvres depuis 1990

Frantiček Klossner qualifie sa série de portraits et de corps congelés d'"Infinite Performance". Ce concept performatif n'est pas seulement conçu pour la durée d'une exposition, il s'étend déjà sur 30 ans, depuis ses premières "congélations" (1990) jusqu'à aujourd'hui, dans un contexte à chaque fois nouveau, en de nombreuses variations installatives ou médiatiques. Chaque nouvelle mise en scène est un processus limité dans le temps. On pense involontairement à l'éphémère et aux durées de vie qui passent. Mais la force d'attraction de l'œuvre et son rayonnement tout aussi puissant sont capables, dans leur ensemble, de stimuler des pensées, des sentiments et des souvenirs dont la cohésion est déjà spécifique à l'art. Il ne s'agit donc pas seulement d'un autoportrait en glace qui fond lentement, mais surtout d'une "image humaine du présent" qui se modifie imperceptiblement mais visiblement, pour finalement se dissoudre complètement. Le "devenir de moins en moins" de la sculpture solide comme la glace fait tout autant partie de la compréhension de l'œuvre et du concept de Franticek Klossner que la répétition rituelle et le "gel de soi" qui revient sans cesse. Son œuvre est en perpétuelle mutation, entre éphémère et réapparition. Pour ce faire, l'artiste a recours à des mises en place symboliques ambiguës et à la réactivation consciente de représentations temporelles millénaires. Il s'agit pour lui d'une image sculpturale de l'homme qui porte pour ainsi dire le temps en elle et qui incarne différentes conceptions du temps. De cette manière, il pose également la question existentielle du "temps intérieur" et du "temps extérieur" de l'homme. (Dr. Peter Friese, Kunstverein Ruhr, Essen, 2015)

Dans la lumière blafarde d'une lampe à incandescence, Franticek Klossner range une multitude d'autoportraits figés. La collection fantaisiste ressemble à une expérience clinique. Les têtes lucides sont alignées de face sur des étagères métalliques. Chaque tête est façonnée différemment par le processus de congélation : Éclatée, déchirée, fendue ou parfaitement ressemblante, elle reflète toute la gamme des déformations et des changements de forme. Face à ces "moi congelés", nous pensons involontairement au best-seller de Richard David Precht "Qui suis-je - et si oui, combien ?". La physicalité vulnérable des "moi" stockés devient un symbole des conditions humaines. Dans le froid du congélateur, les processus de notre perception s'intensifient : à chaque respiration, le froid nous pénètre ! Nous inspirons le travail ... et laissons en expirant, par le réchauffement de notre souffle, un givre sans cesse croissant sur les têtes gelées. Comme une fine fourrure, le souffle du public se pose sur l'œuvre de l'artiste. (Mechthild Zawadinsky, Kunsthalle Osnabrück, 2011)

Inge Herold, extrait du texte du catalogue : «Le buste depuis Auguste Rodin», Städtische Museen Heilbronn, 2005

Comme Dieter Roth, Franticek Klossner livre son autoportrait à la déformation et à la dissolution, mais l'aspect du cycle du devenir et de la disparition joue également un rôle important chez lui. De plus, son matériau est d'une toute autre qualité que celui de Roth. Les autoportraits que Klossner réalise depuis 1990, intitulés "Melting Selves", sont des moulages d'eau congelée qu'il utilise de différentes manières dans des installations, des performances et des séquences vidéo. L'eau n'est pas seulement la matière qui donne la vie par excellence, c'est aussi un élément extrêmement changeant qui se présente sous trois formes d'état : liquide, solide (neige et glace) et gazeux (brume, brouillard, vapeur). Les processus de congélation et de fusion sont - comme la cuisson dans les œuvres de Quinn - des processus déformants qui développent une forte dynamique propre sur laquelle l'artiste n'a aucune influence. Dans un travail vidéo spécialement conçu pour l'exposition "Die obere Hälfte", Klossner oppose à la déformation et à la dissolution par la fonte - à comprendre dans ses travaux antérieurs comme une métaphore du temps et de l'éphémère - l'idée de renaissance et de renouvellement. Six bustes de l'artiste disparaissent et renaissent dans un processus rythmique accompagné d'une séquence sonore minimaliste composée de sons basés sur ses battements de cœur. Les bustes fondent - les gouttes s'élevant métaphoriquement vers le ciel comme des bulles de pensées - et se reforment à partir de gouttes s'élevant d'en bas : une inversion du processus réel. Klossner associe l'idée d'un cycle de vie éternel au thème de l'exploration de soi et à la question de l'identité : "Un individu n'existe pas, nous sommes une identité liquide. Tout blocage est inutile - le temps est un changement de forme".

Le travail de Frantiček Klossner est riche en questions existentielles et s'intéresse aux processus d'individuation mentale et d'interdépendance sociale. L'installation vidéo "ex vivo - in vitro" le montre de manière particulièrement frappante : la scène rappelle une collection de préparations anatomiques humides dans un musée d'histoire de la médecine. Immergés dans un liquide dans de grands flacons de verre, isolés, conservés et séparés les uns des autres, nous découvrons des corps humains nus et des têtes qui parlent. Les corps se tordent dans l'étroitesse de leur isolement. Les têtes tournent autour de leur propre axe comme des globes. Les visages qui défilent deviennent des cartes du monde de vies déjà vécues. Cette situation met en évidence les effets de l'isolement social et de l'exclusion sur le psychisme d'une personne. Mais à l'intérieur des ampoules, la résilience humaine germe. Avec des mots énigmatiques, les "enfermés" s'adressent à eux-mêmes et à nous. Ils parlent d'amour et de nostalgie, de proximité et de distance, d'espoir et de confiance. Avec leurs voix hypnotisantes et leurs paroles répétitives qui se superposent et se contredisent, ils captivent le public. De cette manière, les individus séparés les uns des autres transmettent une image extrêmement puissante et actuelle de la société actuelle et de l'idée de ce que cela pourrait signifier d'être un être humain.

Le squelette d'un crâne humain qui s'anime et nous regarde de ses orbites osseuses est effrayant et irritant. Un crâne en chair et en os, vivant ? Cet autoportrait non conventionnel, éclairé par rayons X, est cadré dans la forme d'apparence classique d'un médaillon et renvoie ainsi à la caractéristique picturale des bijoux funéraires des années d'après-guerre. Mais la performance vidéo de Frantiček Klossner est un memento mori plein d'autodérision et d'une envie palpable d'expérimenter artistiquement avec des médias d'imagerie médicale. Les associations oppressantes sont clairement contrastées par une espièglerie sournoise et un humour noir. La mort semble vouloir nous dire que la vie après la mort sera aussi sensuelle et bizarre que notre existence contradictoire dans cette période que nous appelons le présent. (Léonard Cuénoud, 2000)

«Mon crâne retrouve son visage», Autoportrait en radioscopie, Vidéo en temps réel sous fluoroscopie, Peinture faciale avec du liquid contraste médical, Frantiček Klossner, 1999, , Imagerie radiographique en collaboration avec l'Institut de radiologie de l'Université de Berne

Dr. Caroline Schuster Cordone, vice-directrice, Musée d'art et d'histoire Fribourg MAHF

«Relations bilatérales», poésie visuelle, Franticek Klossner, 2014, le président de la ville de Berne, Alexander Tschäppät, et le maire de Berlin, Klaus Wowereit, avec un panneau de texte de la série: "Les histoires d'amour de la culture", photo : Simon Schmid

Michaela Nolte, à propos de la série d'œuvres "L'art fait de la politique", 2007 : dans ses archives de performances interactives "L'art fait de la politique" (à partir de 2003), Frantiček Klossner tisse une boucle de dialogue composée de multiples réseaux avec des enregistrements vidéo d'environ 500 acteurs culturels à ce jour. Il ne s'agit pas d'une collection traditionnelle, mais d'un réseau rhizomatique, avec l'artiste comme créateur communautaire d'interférences humaines, artistiques et médiatiques. Les créateurs, les médiateurs culturels et les politiciens culturels sont incités par Frantiček Klossner à réaliser des actions spontanées, des performances ou des improvisations intimes, desquelles naissent - dans l'esprit de Gaston Bachelard "La fleur est toujours déjà dans l'amande" -, des miniatures poétiques et surréalistes. La performance Paradis de Sandra Gianfreda et Bernhard Mendes Bürgi sur le citronnier de la connaissance au Kunstmuseum Basel, par exemple, ou le collectif d'artistes que Klossner attire devant sa caméra avec la simple consigne de la table peacigen de la colocation : "Montez donc tout simplement sur les murs !" L'artiste en tant qu'animateur fait penser à l'impossible et le met en action. L'artiste en tant qu'archiviste crée des documents non conventionnels basés sur l'envie d'art, dont de nombreux moments désormais historiques, comme par exemple la performance de Martha et Maurice E. Müller avec une pelle et un pic dans l'excavation du futur Centre Paul Klee ou la performance "Abbey Road" avec Balthasar Burkhard, Claude Kuhn, Gerhard Johann Lischka et Alexander Tschäppät sur un passage piéton dans le quartier des ambassades à Berne. "L'exécution physique d'une action est fondamentale pour les multiples formes d'apparition de la performance artistique [...]", peut-on lire dans un Performance-Reader. Outre le fait que cela ressemble à un cas de force majeure, Frantiček Klossner réfute une telle définition avec ses œuvres intermédiales, dans lesquelles la vidéo, la performance, la photographie ou l'installation dépassent toujours un seul média. Ce n'est pas l'exécution physique, mais plutôt le plaisir physique et l'interaction des performeurs et des spectateurs qui apparaissent comme un moment central dans l'œuvre de l'artiste ; l'humour comme un autre. L'humour comme catharsis. Depuis l'art pictural, Klossner agit de manière insolente, rusée et innovante. Il examine le corps en tant que sculpture, en tant qu'œuvre d'art qui se dissout et se génère à nouveau, il fait intervenir tout naturellement la danse, le langage, le dessin et l'écriture dans le dépassement des limites en tant qu'attitude performative fondamentale. Il semble donc logique que l'exécution physique soit entièrement supprimée dans ce que Klossner considère comme "la performance la plus ultime". Tim Steiner, un ami artiste de Frantiček Klossner, qui porte une œuvre de Wim Delvoye sur son dos en tant que support d'image vivant, a dû faire découper le fameux tatouage pour une intervention médicale. Frantiček Klossner a accompagné son ami dans la salle d'opération pendant l'anesthésie et a documenté l'opération avec le photographe Simon Schmid. "La perte de conscience m'a profondément impressionné et m'a amené à me demander si une conscience était nécessaire pour la performance. Le corps de Tim Steiner, flottant sous anesthésie, était incroyablement présent et, dans sa passivité absolue, a créé un contrepoint fascinant à la volonté artistique active". La performance de l'ami anesthésié devient une expérience artistique pénétrante, un être d'art, totalement imprégné d'une évidence authentique, où les images ne s'érodent pas, mais continuent d'agir et d'inciter à l'impossible (en apparence). L'artiste devient un chuchoteur d'art. À la frontière de l'explicite et de l'implicite, l'art de Klossner libère de l'énergie et recèle un potentiel de contagion.

La série photographique "His- & Herstory" de Franticek Klossner a été réalisée entre 1994 et 1999 à partir d'une série de performances. Par ce titre, l'artiste fait référence à la perception féminine et masculine de l'histoire culturelle. L'histoire de notre culture et de nos mentalités est-elle une histoire d'hommes (HIS-story) ? Et si oui, de quels hommes ? Où est l'histoire culturelle des femmes (HER-story) ? Pour répondre à ces questions de manière personnelle, l'artiste se met en relation physique avec des objets culturels qu'il considère comme particulièrement représentatifs de l'histoire des mentalités européennes. Il trouve de tels témoins symboliques à Berne, par exemple, dans les sculptures grecques et romaines de la collection d'antiquités ou dans les places publiques et les cruising grounds secrets de la ville de Rome, où il a travaillé à l'Institut suisse dans le cadre d'une bourse de résidence de deux ans. Les photographies le montrent nu en train de dialoguer avec une sélection de bustes et de sculptures qu'il a rencontrés, par exemple, lors de ses déambulations nocturnes dans Rome. En compagnie de son ami photographe Gian Paolo Minelli, il rend visite aux "connaissances nocturnes" le lendemain et fait photographier le "rapprochement physique". Il déclare à ce sujet, de manière pointue et exagérée : "L'histoire culturelle est une relation purement physique". Parallèlement à cette série de photos de plusieurs années, il a réalisé des installations vidéo très remarquées avec des "bustes parlants". Grâce à un procédé de mapping, il a projeté des enregistrements vidéo sur les bustes d'Hermès d'Olympie et d'Apollon du Belvédère. Il a ainsi donné aux divinités grecques une voix contemporaine marquante. Dans le cadre d'une enquête de rue, il avait interrogé des passants sur leur "première rencontre avec l'art contemporain". Il résultait de ces récits un discours extrêmement poétique sur l'art contemporain entre Hermès d'Olympie et Apollon du Belvédère. Mais à un autre niveau, ces installations vidéo étaient aussi une réponse pleine de ruses du pionnier de la vidéo à la polémique de l'époque qui dévalorisait l'art médiatique par rapport à la peinture et à la sculpture, au motif qu'avec les bandes vidéo, il n'y avait pas d'original, mais seulement des copies. Franticek Klossner s'oppose à cette attitude conservatrice de manière joyeusement physique et prouve par ses actions que même les nobles sculptures de la collection d'antiquités ne sont que des copies en plâtre et qu'en fin de compte, seul son propre corps nu est un original. Ainsi, l'artiste de la performance et des médias se rebelle d'une part contre la conception conventionnelle de l'art des années 1980 et 1990, et provoque d'autre part la sensibilité artistique bourgeoise en intégrant sans souci les célèbres œuvres de l'Antiquité grecque (comme l'Apollon du Belvédère, le lanceur de disque de Myron ou le Faune de Barbe) comme partenaires de performance et en jouant avec des accessoires comme une poupée gonflable en caoutchouc ou le moulage en plâtre du sein droit de Pipilotti Rist. De manière évidente, l'artiste signale sa proximité avec les thèmes du genre, avec le mouvement des femmes et des homosexuels et avec la diversité culturelle. De manière combative mais aussi légèrement timide, il veut inciter son public artistique à remettre en question sa propre pensée sur les normes de genre et l'identité sexuelle. Ses pistes de réflexion ne sont ni intrusives ni provocantes, mais pleines de ruses et de séduction. Elles laissent au public suffisamment de temps pour remettre en question ses images intérieures. C'est précisément pour cette raison que sa série d'œuvres photographiques présente un intérêt particulier pour l'exposition sur la "remise en question de la masculinité" organisée par Kathleen Bühler au Kunstmuseum de Berne. La diversité culturelle, les changements sociaux et la confrontation avec les anciennes et nouvelles représentations de la masculinité sont indissociables de l'œuvre de Franticek. Il n'est donc pas surprenant qu'il se débarrasse de ses vêtements au Musée des Antiquités et qu'il s'oppose de manière taquine et avec beaucoup d'autodérision au concept de "kalokagathia", l'idéal grec de l'excellence physique et intellectuelle : "kalòs kaì agathós".

Au stylo à bille ou au feutre, Frantiček Klossner dessine les jalons de l'histoire de l'art sur les ventres de ses amis. Le corps devient un support d'image... en médiateur entre l'histoire de l'art récente et l'art contemporain. Le nombril - ombilic - agit dans les dessins comme point de départ et protagoniste impertinent : avec une bouche ouverte et étonnée dans l'"Angelus Novus" selon Paul Klee, comme gland sur un pénis en érection dans l'"Homme debout" selon Pablo Picasso ou caché derrière une épaisse pilosité corporelle dans la "Tasse en fourrure" selon Meret Oppenheim. Les dessins griffonnés sur les corps ne chatouillent pas seulement leurs porteurs, ils chatouillent aussi notre pensée : en souriant, nous redécouvrons l'histoire de l'art. Avec malice, Frantiček craque l'essence des œuvres citées et dresse ainsi une image extrêmement physique de l'appropriation personnelle de l'histoire culturelle: l'art est incorporé avec volupté.

Un autoportrait de l'artiste en glace est suspendu au-dessus d'un grand plan d'eau. Au début de son accrochage, il s'agit du moulage exact à l'échelle 1:1 de la tête de l'artiste. Tout juste sorti de la chambre froide et suspendu la tête en bas à une boucle métallique, ce corps de glace impressionnant se recouvre d'abord d'une couche blanche veloutée de givre, avant de commencer à fondre progressivement en raison de la température ambiante. Finalement, les fins cristaux de glace blancs se dissolvent et les gouttes d'eau qui tombent deviennent le rythme cardiaque de l'installation vidéo. Projetés sur l'eau, des enregistrements vidéo d'un œil au regard attentif et l'image d'un jeune homme nu dans une position embryonnaire apparaissent en alternance. Un projecteur vidéo a été placé de manière à ce que ces images soient exactement reflétées et agrandies par la surface de l'eau sur le mur opposé de la pièce. Mais les gouttes d'eau irrégulières qui tombent en permanence de la tête de l'artiste en train de fondre créent - comme des gouttes de pluie individuelles sur un lac - des cercles naturellement concentriques et pulsants sur l'eau. Et comme la projection vidéo est une "image lumineuse", les vagues produisent de multiples réfractions et amplitudes visuelles au sein de l'image miroir comme dans la projection de l'image. Il en résulte une situation impressionnante, en constante évolution, tant à la surface de l'eau que dans la vidéo proprement dite, dans laquelle le spectateur est impliqué comme par enchantement. On dirait qu'au regard du spectateur répond le contre-regard hypnotique du grand œil, suivi ensuite du corps recroquevillé du jeune homme nu. Et tout cela est imprégné par les cercles et les oscillations concentriques dynamiques émanant des gouttes d'eau, pour finalement se condenser en une image globale impressionnante qui défie l'attention du spectateur. (Texte : Peter Friese, Kunstverein Ruhr, 2015)